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24 de diciembre de 2013

Captain Phillips (2013)

El 8 de abril del 2009, un grupo de cuatro piratas somalíes abordaron el barco MV Maersk Alabama cuando se encontraba a 240 millas náuticas de la costa de Somalia. Al frente del MV Maersk Alabama se encontraba el capitán Richard Phillips, que tenía como misión llevar el cargamento a Mombasa, Kenia. La situación se tornó complicada cuando al no poder llevarse el barco, los piratas tomaron de rehén al capitán Phillips y huyeron en un barco salvavidas. Todo terminaría en un arriesgado rescate por parte del equipo SEAL de la marina estadounidense. El secuestro y rescate del capitán Phillips pronto se convirtió en noticia internacional, por lo que pronto se comenzó a preparar una adaptación cinematográfica. Tomando como base la crónica del secuestro escrita por el mismo Phillips, "A Captain's Duty: Somali Pirates, Navy SEALS, and Dangerous Days at Sea", el director Paul Greengrass y el guionista Billy Ray desarrollaron una historia con la intención de retratar el intenso drama de la historia. Con el sencillo nombre de "Captain Phillips" y Tom Hanks al frente del elenco, el intento no es malo, pero tampoco sorprendente.

En "Captain Phillips" (literalmente, "Capitán Phillips"), Tom Hanks interpreta al epónimo protagonista, el capitán Richard Phillips, quien toma el mando del carguero MV Maersk Alabama en el puerto de Salalah, en Omán. Su destino, Mombasa, lo obliga a seguir la peligrosa costa de Somalia, donde frecuentemente se viven ataques de piratas. Al mando del Maersk Alabama, Phillips muestra una excesiva preocupación por la seguridad, lo que no lo hace muy popular con su tripulación. Al mismo tiempo, el joven pirata somalí Abduwali Muse (Barkhad Abdi) reúne a una tripulación de cuatro personas con el fin de capturar un barco. Muse desea demostrar su valía como pirata, dado que es constantemente menospreciado por sus compañeros. El 8 de abril, los destinos de Muse y Phillips se enfrentan cuando la tripulación de Muse toma por asalto el MV Maersk Alabama, haciendo realidad los peores miedos de Phillips. Determinado a proteger a su tripulación, Phillips requerirá de todo su ingenio y habilidad para enfrentar a Muse y mantener el control de la difícil situación.

Escrito por Billy Ray (co-guionista de "The Hunger Games"), el guión de "Captain Phillips" procura no ser solamente un recuento de la historia de Phillips, sino hacer un estudio de la relación entre dos personajes aparentemente muy diferentes: el capitán Phillips y el capitán Muse. Al inicio, vemos a ambos preparar el viaje definitorio, Phillips revisando su barco mientras que Muse escoge a su tripulación de entre los jóvenes somalíes de su tribu. Phillips se enfrenta al descontento de su tripulación, mientras Muse se ve humillado por sus compañeros. Finalmente, ambos capitanes se enfrentan en una lucha de resistencia, con Phillips intentando manipular a Muse mientras que el joven pirata trata de demostrar (a su tripulación y a sí mismo) que él es el jefe. Este enfoque es interesante en el sentido de que permite adentrarse en el personaje de Abduwali Muse de una forma más humana, explorando sus miedos y sentimientos, dándole dimensiones más complejas que las de un villano típico. Esta atención a la psicología de los personajes es sin duda una gran virtud del guión de Ray, pero insuficiente para sostener el peso de la cinta.

Al timón de "Captain Phillips" se encuentra el director inglés Paul Greengrass, quien no es del todo ajeno a realizar filmes basados en tensas historias de la vida real (como prueba "United 93" del 2006). En "Captain Phillips" Greengrass imprime nuevamente su familiar estilo de cámara en mano, que da un tono de realismo documental a la película. La cámara del cinematógrafo Barry Ackroyd (quien ya había trabajado con Greengrass en "Green Zone" y en la ya mencionada "United 93") se adentra en la escena casi como participante más que como mero testigo de la acción, logrando capturar el drama humano que se desarrolla entre los personajes. Y es que es la difícil relación entre Phillips y Muse la que funciona como motor de la cinta. Ackroyd y Greengrass logran retratar esa relación que se forma no sólo en diálogos, sino en miradas y silencios. Sin embargo, cabe mencionar que el ritmo de la cinta decae en cierta forma, pues aunque Greengrass construye la tensión de un enfrentamiento entre piratas y tripulación, al momento en que Phillips es secuestrado, el drama se va por otro camino, y Greengrass no logra seguirlo del todo.

Son las actuaciones las que sin duda forman el mayor atractivo de "Captain Phillips", pues es en duelo actoral entre el veterano Tom Hanks y el debutante Barkhad Abdi donde está la fuerza de la cinta de Greengrass. Hanks retoma el rol de hombre ordinario que le ha dado tanto éxito en su carrera. Como Phillips, Tom Hanks construye a un personaje diferente del héroe típico: es un hombre común, arrogante y orgulloso, lleno de defectos pero con una fuerte determinación. Tom Hanks logra realmente desaparecer en el personaje y hacerlo real de una manera descarnada y verdadera. El joven Barkhad Abdi debuta en el cine haciendo un trabajo de un nivel sorprendente en el papel del pirata somalí Abduwali Muse. Greengrass, adepto a emplear actores con poca ó nula experiencia, tiene el gran mérito de encontrar y saber guiar a un talento como el de Abdi, que logra realmente capturar no sólo la esencia de un personaje tan complejo como Muse, sino el espíritu mismo del pueblo somalí, que vive oprimido y encuentra en la piratería una manera de sobrevivir.

Como se mencionó anteriormente, es este el gran mérito de "Captain Phillips", el lograr construir personajes complejos en un mundo que no es blanco y negro. El reconocer la humanidad en sus personajes y partir de ahí para elaborar su discurso: Muse es a fin de cuentas, un joven pescador con sueños que parecen imposibles en su difícil realidad. Sin embargo, de aquí surge un problema en el drama que "Captain Phillips" desarrolla, pues llega un momento en que la historia se vuelve más interesante desde la perspectiva de los piratas. No sólo es el hecho de que se ha logrado que Abduwali Muse sea tan o más simpático que Phillips, sino que finalmente es una historia donde un grupo de cuatro jóvenes piratas se enfrentan al ejército más poderoso del mundo. La cuestión de la supervivencia de Phillips se achica frente a la tragedia de Muse, quien sólo busca una salida y que, como muchos de sus sueños, es imposible de lograr. Y sin embargo, a pesar de lo fascinantes que podrían resultar estos personajes, Greengrass retorna a la fórmula tradicional en el clímax para recordarnos que eran los malos de la película.

Finalmente, pareciera que "Captain Phillips" se debate entre ser dos tipos de película, por un lado se encuentra un drama que retrata una situación real y explora a los personajes como seres humanos complejos y reales; y por el otro una cinta de supervivencia donde se tiene claro quienes son los buenos y quienes los malos. En "Captain Phillips", Greengrass pareciera haber comenzado haciendo la primera película y terminando en la segunda. Al final de la cinta, pareciera que el tenso conflicto entre Phillips y Muse se diluye en el dispar enfrentamiento entre los piratas y la eficiente marina estadounidense. Aunque técnicamente impecable y con dos brillantes actuaciones por parte de Tom Hanks y Barkhad Abdi, "Captain Phillips" carece un poco de tacto al hablar del complejo tema de la piratería somalí y se pierde al intentar resolver el conflicto en el que se mete.

6/10
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18 de diciembre de 2013

The Body Snatcher (1945)

Entre los años 1927 y 1928, una serie de extraños asesinatos tuvieron lugar en Edimburgo, Escocia, aterrorizando a la población durante los casi once meses entre el primer crimen y la captura de los perpetradores. Al momento de su aprehensión, 17 personas habían sido asesinadas por William Burje y William Hare con el fin de vender los cadáveres al Edinburgh Medical College para su disección, con el prestigiado doctor Robert Knox como su cliente principal. La revelación de estos hechos sorprendió a la nación e hizo el caso (conocido como "Los asesinatos de West Port") parte de la cultura popular, siendo incluso material para canciones populares. Años después, el famoso escritor Robert Louis Stevenson quedaría fascinado por el caso, tomándolo como inspiración para una pequeña historia que publicaría en 1884 con el título de "The Body Snatcher". Esta misma historia corta sería luego la base para una película realizada en 1945 por el productor Val Lewton y el director Robert Wise, teniendo como protagonista al legendario ícono del horror, Boris Karloff.

Ubicada en Edimburgo en 1831, "The Body Snatcher" (literalmente, "El ladrón de cuerpos") es la historia de Donald Fettes (Russell Wade), un joven estudiante de medicina que se ve forzado a dejar la escuela debido a sus problemas económicos. Para su sorpresa, su instructor el famoso Dr. MacFarlane (Henry Daniell) decide ayudarlo dándole empleo como su asistente, pues considera a Fettes un prometedor estudiante que vale la pena apoyar. Sin embargo, no todo es miel sobre hojuelas para el joven Fettes, pues su nuevo puesto lo llevará a descubrir el lado oscuro de su honorable profesión cuando se da cuenta de que el Dr. MacFarlane debe pagarle al siniestro John Gray (Boris Karloff), un cochero, para que le consiga cadáveres exhumados de los cementerios para ser sujetos en sus clases. Esta terrible revelación será solo el principio, pues tras conocer al misterioso cochero Fettes encontrará que Gray no sólo es un sucio ladrón de cuerpos, sino que también es poseedor de un terrible secreto acerca del doctor MacFarlane que le da poder sobre el respetable médico.

Escrita por el productor Val Lewton (bajo su usual pseudónimo "Carlos Keith") y el popular escritor de novelas de misterio Philip MacDonald, "The Body Snatcher" es un poderoso drama psicológico en el sutil estilo que Lewton había desarrollado durante sus días como jefe de la unidad de horror en los estudios RKO. Tomando la historia de Stevenson como base, los guionistas crean una trama que espora el aspecto oscuro del alma humana en una forma que pareciera mezclar los orígenes góticos de la historia con el film noir tan en boga en los años 40s. La ambigüedad moral al estilo del cine negro se presenta al tocar el tema del progreso de la ciencia a costa de cometer crímenes cada vez más perversos. Es aquí donde la historia introduce uno de los más extraordinarios y complejos personajes del género en la figura de John Gray, quien mantiene la relación con el Dr MacFarlane más por el placer de verlo sufrir que por algún interés económico genuino. Cabe destacar la gran calidad de los diálogos en el filme, que brindan al elenco grandes oportunidades para desarrollar a los personajes.

"The Body Snatcher" fue la segunda cinta dirigida totalmente por Robert Wise tras hacer "Mademoiselle Fifi" para Lewton el año anterior ("The Curse of the Cat People", su debut, fue inicialmente dirigida por Gunther Von Fritsch). Cómo en sus trabajos anteriores, Wise nuevamente muestra sus habilidades para crear una cinta de época visualmente sorprendente tomando en cuenta los bajos presupuestos de RKO. En cierta forma, "The Body Snatcher" es un efectivo regreso a la atmósfera del cine de horror gótico que realizaba Universal Studios en los 30s, aunque con un toque de duro realismo y la sutil ambigüedad en su temática que la vuelven una especie de film noir gótico. En "The Body Snatcher" puede apreciarse un estilo basado más en la sugestión y la atmósfera que en el horror gráfico, estilo con el que Wise crea sobrecogedoras escenas de horror empleando inteligentemente los recursos más básicos del cine: montaje, sonido, iluminación. Años después Wise emplearía esta misma filosofía de "menos es más" en el clásico de horror "The Haunting".

Aunque probablemente siempre será recordado como la Creatura en la clásica cinta de 1931, "Frankenstein" (dirigido por James Whale), el actor británico Boris Karloff no era un actor limitado en rango, y esta película es el mejor testamento de ello. Como el cochero John Gray, el legendario Karloff realiza la que posiblemente sea la mejor actuación en toda su carrera, transformándose en este complejo personaje que puede ser tanto un amable cochero como un cruel y malcarado ladrón de cadáveres, disfrutando torturar la mente del Dr. MacFarlane. Sin embargo, Karloff no es el único en realizar un buen trabajo, pues Henry Daniell es otro de los puntos fuertes del filme en su rol del Dr. MacFarlane, quien a pesar de desear se un ejemplo de respetabilidad, carga con grandes culpas. Russell Wade, actor frecuente en la RKO, completa el elenco como el joven Fettes, haciendo un eficiente trabajo como el ingenuo estudiante de medicina. Bela Lugosi, el otro gran ícono del género aparece en un rol menor, aunque a pesar de ello logra robar cámara con gran talento.

Durante su breve tenura en los estudios RKO, Val Lewton mostró una gran habilidad al seleccionar el personal que trabajaría en sus películas, y en "The Body Snatcher" esto se refleja en la elección del fotógrafo Robert De Grasse, quien brinda su talento para la creación de la ominosa atmósfera que permea toda la película. Siendo Robert Wise un editor antes de convertirse en director, da una importancia especial a la narrativa mediante el montaje, lo que le permite desarrollar una historia ágil y dinámica. En "The Body Snatcher" aún puede sentirse la influencia de Orson Welles (con quien Wise colaboró como editor en "Citizen Kane") en la manera en que da uso a la cámara de De Grasse. Algo que resalta en la cinta es la recreación que hace Wise de la época en que se ubica el film, pues "The Body Snatcher" no luce como una cinta de serie B (Lewton empleó sets prestados de otras cintas para lograr esto). Sin embargo, la verdadera fuerza de "The Body Snatcher" radica en sus actores, y la labor de Wise y De Grasse se enfoca principalmente en darles pie para explotar sus talentos.

Por estas y otras razones, "The Body Snatcher" es sin duda la mejor de las películas producidas por Val Lewton en sus años en RKO, y bien puede considerarse como una de las mejores cintas de horror jamás realizadas. El director Robert Wise crea una cinta mítica, reuniendo por última vez a las dos más grandes figuras del cine de horror, Karloff y Lugosi, obteniendo de ambos sus mejores interpretaciones. "The Body Snatcher" eleva a un nivel artístico superior el estilo de cine que promovía Val Lewton, al crear un mundo corrupto y moralmente ambiguo con personajes psicológicamente complejos cuyo mayor deseo es el de escapar de ese mismo mundo. Este brutal híbrido de horror gótico y cine negro sería la prueba definitiva de que lo que Lewton y sus colaboradores creaban era mucho más que entretenimiento barato de serie B, era realmente arte.

10/10
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17 de diciembre de 2013

The Curse of the Cat People (1944)

Tras el exitoso estreno de la cinta "Cat People" en 1942 (dirigida por Jacques Tourneur), el productor Val Lewton, a cargo de la unidad de horror de RKO Studios, se encontró con la obligación de demostrar que el éxito no había sido sólo un golpe de suerte. No fue tarea fácil, pero filmes como "I Walked with a Zombie" también de Tourneur y "The Seventh Victim" de Mark Robson, consolidaron la reputación de Lewton como un eficiente productor y establecieron un estilo muy particular que se volvió el sello de Val Lewton. Aunque sus cintas de horror funcionaban muy bien, Lewton no deseaba encasillarse como un productor del género, y para fines de 1943 decidió intentar algo diferente. Nuevamente colaborando con el guionista DeWitt Bodeen, Lewton concibió una historia de fantasía oscuro acerca de los horrores de la infancia. Desafortunadamente, las cabezas de RKO deseaban mantener una continuidad a los exitosos filmes que Lewton producía, por lo que Bodeen se vio forzado a agregar elementos de su trabajo anterior, convirtiendo la historia en una secuela de su obra más famosa, "The Curse of the Cat People".

En "The Curse of the Cat People" (en español conocida como "La Maldición de la Mujer Pantera"), encontramos de vuelta a los personajes de la original "Cat People" algunos años después de los eventos del primer filme. Oliver Reed (Kent Smith) y Alice Moore (Jane Randolph) son ahora una pareja casada y viven en un agradable vecindario con su pequeña hija de seis años, Amy (Ann Carter). Amy es una niña muy inteligente e imaginativa, más adepta a soñar despierta que a hacer amigos de su edad. Esto preocupa mucho a Oliver, quien tras haber experimentado los catastróficos resultados de la imaginación obsesiva de su primera esposa Irena (Simone Simon), teme que Amy corra la misma suerte. La preocupación de Oliver crece cuando descubre que Amy tiene una amiga imaginaria: Irena. Pero Irena no es una amiga imaginaria, sino que es ahora un fantasma que desea la amistad de Amy. Aunque en realidad esta aparición parece ser benéfica para Amy e incluso la anima a formar verdaderas amistades, Oliver teme que su hija tenga un destino trágico, similar al de Irena.

Aunque para fines prácticos la cinta es una secuela a "Cat People", la historia que DeWitt Bodeen crea es bastante diferente a la original en términos de temática y tono. Aunque ambas cintas son thriller psicológicos, "The Curse of the Cat People" gira completamente en torno al tema de la infancia, su inocencia y los horrores a los que se enfrentan los niños. Enfocándose en la problemática relación de una niña altamente imaginativa y su temeroso y pragmático padre, Bodeen logra crear una bellísima historia que captura perfectamente la experiencia de la infancia al contar la historia desde el punto de vista de Amy. También toca en una manera sutil la idea de enfrentar a los demonios interiores y, aunque con sus diferencias, complementa a "Cat People" en su tratamiento de la inseguridad y la soledad. En este sentido es interesante que sea el fantasma de Irena, víctima de la inseguridad en el primer filme, quien anime a Amy a superar ese mismo miedo. Aunque ciertamente no es una película de horror en el sentido tradicional, "The Curse of the Cat People" es deliciosamente oscura en su estudio de la imaginación infantil.

Originalmente, "The Curse of the Cat People" comenzó siendo dirigida pro Gunther Von Fritsch, perl múltiples problemas en la producción forzaron a Lewton a remplazarlo con el hasta entonces editor, Robert Wise, marcando su debut en la realización. Aunque Wise siguió al pie de la letra el estilo marcado por Lewton, "The Curse of the Cat People" muestra mucha de la influencia que Wise recibió de Orson Welles (dado que Wise editó "Citizen Kane" y "The Magnificent Ambersons" entre otros filmes), incluyendo ese uso dinámico e inventivo de la cámara y el inteligente uso del montaje como medio narrativo. Como todos los filmes producidos por Lewton, la película favorece la atmósfera sobre todas las cosas, aunque en esta ocasión el tono es de mágico surrealismo, ó más bien, de oscuraa fantasía gótica, representando la rica imaginación de Amy. La maravillosa fotografía de Nicholas Musuraca nuevamente juega in papel fundamental en esto, pues en "The Curse of the Cat People" Musuraca crea varias de las imágenes más bellas que se pueden encontrar en las cintas de Val Lewton.

De la misma forma que el filme original, "The Curse of the Cat People" se beneficia del gran talento de su actriz principal, en este caso la joven Ann Carter, quien realiza un extraordinario papel como Amy Reed, especialmente considerando su edad (Carter tendría una fructífera carrera como actriz infantil, que lamentablemente no continuó al crecer). Simone Simon regresa como Irena, y nuevamente su presencia levanta el filme gracias a su belleza y talento. Y aún y que su papel es considerablemente menor en esta ocasión (la cinta pertenece completamente a Ann Carter), Simone Simon realiza una vez más un gran trabajo como el fallecida esposa de Oliver. Desafortunadamente, Kent Smith es de nuevo el punto débil del elenco, aunque sí hay una mejoría sobre su trabajo en "Cat People". Jane Randolph tiene un papel más interesante en esta ocasión, aunque no se le da mucha ocasión para brillar. Caso contrario el de Julia Dean y especialmente Elizabeth Russell, quienes brindan excelentes actuaciones en sus papeles de soporte como vecinos de los Reed.

Definitivamente los peores enemigos de la cinta son curiosamente su relación con la original "Cat People" y el rimbombante título sensacionalista que Lewton fue forzado a emplear, pues esto crea una falsa expectativa respecto al tono de la cinta, que en muchos niveles es totalmente opuesto al de la clásica cinta de 1942. Aunque ciertamente la película cuenta con elementos de horror, "The Curse of the Cat People" funciona más como un oscuro y elegante melodrama fantástico que como una fuerte película de terror en el estilo tradicional. De cualquier forma, "The Curse of the Cat People" se sostiene principalmente por su guión, que se adentra en los temores e inseguridades de la infancia con bastante valor, empleando la fantasía para abordar el tema de forma interesante. Quizás el defecto sea que Bodeen no se anima a soltar del todo la rígida estructura del melodrama familiar (el final es bastante apresurado) dejando la cinta a medio camino entre la fantasía y el melodrama, sin atreverse del todo a ir al lado oscuro. Sin embargo, esto no la hace menos disfrutable, y a pesar de las diferencias, "The Curse of the Cat People" es digna sucesora de la original.

A pesar de sus problemas, "The Curse of the Cat People" es definitivamente una de las cintas que mejor representan la oscuridad de una infancia solitaria y los sentimientos de inseguridad que la acompañan, así como la vívida imaginación que los niños poseen. Tal vez no sea una nueva "Cat People" en el sentido estricto de continuar el estilo de horror iniciado por Jacques Tourneur, pero esta cinta evoca el mismo tipo de atmósfera que hace a las películas producidas por Val Lewton tan cautivantes. "The Curse of the Cat People" sería además el comienzo de la fructífera carrera del director Robert Wise, quien posteriormente realizaría películas clásicas como "The Day the Earth Stood Still" (1951), "West Side Story" (1961) y "The Haunting" (1963). 

8/10
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16 de diciembre de 2013

Cat People (1942)

Fue en 1935, durante la filmación de una producción de David O. Selznick, adaptación de la novela de Charles Dickens "A Tale of Two Cities" (dirigida por Jack Conway y Robert Z. Leonard), en que dos jóvenes asistentes llamados Val Lewton y Jacques Tourneur se conocieron tras trabajar juntos en varias secuencias del filme. En aquellos años, Lewton trabajaba asistiendo a Selznick mientras que Toruneur, hijo del cineasta Maurice Toruneur, laboraba como director asistente mientras intentaba construir una carrera de cineasta haciendo cortometrajes para la MGM. Sin embargo, el destino tenía algo reservado para ambos, pues cuando en 1942 Lewton se volvió jefe de la recientemente creada unidad de horror en los estudios RKO, la primera persona a la que contrató fue a Jacques Tourneur. La consigna de RKO era la de realizar películas económicas de serie B, pero Lewton y Tourneur revolucionarían el género del horror con el estilo sutil y atmosférico de sus películas, basado más en la sugestión que en el shock directo. La primera de las tres cintas que Tourneur haría para Lewton fue también su debut en el cine: "Cat People" de 1942.

"Cat People", conocida en español como "La Mujer Pantera", es la historia de Irena Dubrovna (Simone Simon), una diseñadora de modas de origen serbio que se ha mudado a New York. Una mujer solitaria, Irena pasa las tardes observando los animales del zoológico, sintiendo una especial fascinación por los felinos. Es en el zoológico donde Irena conoce a Oliver Reed (Kent Smith), ingeniero naval quien queda prendado por la belleza de Irena. La atracción es mutua, y pronto la pareja comienza a tener planes de matrimonio. Sin embargo, hay un obstáculo para su felicidad: Irena cree fervientemente en una antigua maldición de su pueblo natal, que dicta que se transformará en una bestia asesina si se excita emocionalmente. Oliver intenta ayudarla, pensando que el problema tiene un origen psicológico, por lo que sigue adelante con el matrimonio, esperando encontrar una solución en el futuro. Sin embargo, la obsesión de Irena continúa, desesperando a Oliver quien pronto se enamora de su compañera de trabajo, Alice (Jane Randolph). Esto tendrá desastrosas consecuencias cuando Irena lo descubra.

Como en cada cinta que Lewton produciría para la RKO, "Cat People" estaría basada en una idea del propio Lewton desarrollada por alguno de sus guionistas. En este caso, sería DeWitt Bodeen (dramaturgo que había causado una gran impresión en Lewton) quien daría forma al concepto, creando una de las mejores historias del cine de horror. Dadas las limitantes condiciones de presupuesto, Lewton y Bodeen sabiamente decidieron enfocarse en el suspenso y el misterio, agregando un toque de horror psicológico y poniendo un mayor énfasis en el melodrama y en el desarrollo de los personajes. En la persona de Irena, crearon uno de los más complejos e interesantes personajes en la historia del cine de horror, y que inauguraría la exploración de temas psicosexuales en las películas. "Cat People" resulta ser más que una historia de horror y suspenso, es en el fondo una sutil metáfora sobre la represión sexual y, principalmente, un estudio sobre el miedo a perder el control sobre las pasiones carnales. Cómo en las clásicas leyendas de licantropía, la pantera se vuelve un símbolo del lado salvaje de la naturaleza humana.

Si el guión es digno de alabanza, la dirección del cineasta francés Jacques Tourneur es sencillamente sorprendente. Trabajando en la unidad de Lewton, Tourneur encontró severas limitaciones de presupuesto, pero también una gran libertad creativa que le permitió desarrollar en "Cat People" un estilo que después se haría la marca de Val Lewton y RKO (inspirando a cineastas como Robert Wise y Mark Robson). Este estilo recibiría gran influencia del cine negro norteamericano, haciendo al horror de RKO un híbrido de horror y film noir (el mismo Tourneur realizaría un clásico del film noir en1947, "Out of the Past"). Enfatizando la atmósfera y el tono, Tourneur juega con la sensualidad y la sutileza como pocas veces se había realizado en el horror (en cierta forma, la cinta se siente más erótica que el remake de 1982), empleando el poder de la sugestión para generar miedo en vez de un horror más gráfico. Tourneur maneja con gran maestría el misterio que rodea la obsesión de Irena, manteniendo constantemente el suspenso y la incertidumbre respecto a si la maldición es real o sólo una imaginación de Irena.

Ahora, como se mencionó anteriormente, Irena Dubrovna es probablemente uno de los mejores personajes jamás escritos en el género, sin embargo, probablemente no hubiera tenido el mismo impacto sin la gran actuación de la bellísima actriz francesa Simone Simon (famosa por "La bête humaine"). Como Irena, Simone realmente captura la mezcla de misterio e inocencia que hacen a su personaje no sólo atractivo y simpático, sino también altamente erótico sin perder la clase (haciendo de Irena efectivamente una Femme Fatale y una damisela en desgracia a la vez). Su descenso a la locura a medida de que su obsesión crece permite a Simone el mostrar su enorme talento como actriz en el gran retrato de paranoia que ella hace en "Cat People". Ciertamente, pocos en el elenco logran alcanzar el gran nivel de la actuación de Simone (Kent Smith es particularmente débil en su papel), sin embargo, Jane Randolph hace un buen papel como Alice, y Tom Conway realiza un trabajo sobresaliente como el Dr. Judd, psiquiatra al que asiste Irena, y que pronto se va interesando en la misteriosa mujer pantera.

Jacques Tourneur realizaría grandes películas en RKO ("I Walked with a Zombie" es probablemente la mejor), pero "Cat People" permanece como la más influyente obra de sus años con Lewton. No sólo es un filme bellamente realizado (gracias al brillante trabajo de fotografía de Nicholas Musuraca) que atinadamente daba un espíritu de film noir al horror, sino que su éxito cambió la manera en que los thrillers se realizaban al incluir un toque de psicología, y un grado más alto de tensión sexual y erotismo que, gracias al sutil toque de Tourneur, pudo pasar la estricta censura de esos años sin problema. En una época en que las películas de serie B eran sinónimo de mediocridad, "Cat People" logro probar que lo realmente necesario para hacer una buena película no eran presupuestos exhorbitantes o altos valores de producción, sino creatividad, talento y dedicación. Ciertamente la cinta tiene sus defectos (la actuación de Kent Smith es tal vez el más notorio), pero son pequeños y de poca importancia en una cinta que es por demás impecable.

Al final, la apuesta de Val Lewton resulto mucho mejor de lo esperado y "Cat People" se volvió el filme más exitoso de RKO en el año de su estreno, consolidando la carrera de Jacques Tourneur como realizador y estableciendo a Lewton como un hábil productor al frente de la unidad de horror de RKO e iniciando una era que vería cintas como "The Seventh Victim" (1943), "The Body Snatcher " (1945), y la ya mencionada "I Walked with a Zombie" (1943). Lewton produciría una secuela a esta cinta dos años después, "Curse of the Cat People", dando un giro fantástico a la historia de la mujer pantera e iniciando la carrera del director Robert Wise. Todo un clásico del género y de gran influencia posterior, "Cat People" es sin duda una gema del cine norteamericano que merece ser descubierta.

9/10
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13 de diciembre de 2013

Plan 9 from Outer Space (1959)

La historia del cine norteamericano está llena de grandes películas que obtuvieron gran reconocimiento por sus logros artísticos o innovaciones tecnológicas, y que a su vez dieron fama a sus realizadores. "Plan 9 from Outer Space" es una excepción a esto, ya que la fama que dio a su creador, Edward D. Wood Jr. fue la de "Peor Director de Todos los Tiempos". Estrenada en 1959, "Plan 9 from Outer Space" fue una película independiente que pasó sin pena ni gloria por las pantallas hasta que en 1980 fue descubierta por los críticos Michael y Harry Medved, quienes la consideraron "la peor película jamás hecha" dada la gran cantidad de errores y problemas técnicos que contiene. Sin embargo, a pesar de esto, "Plan 9 from Outer Space" tiene un extraño encanto que la hace diferente de muchas otras películas realmente malas: tiene corazón. El cine de Ed Wood es ingenuo e incompetente, pero poseedor de un extraordinario carisma. "Plan 9 from Outer Space" es el legado de un hombre cuyo amor por el cine era más grande que sus habilidades artísticas, y que estaba dispuesto a todo por terminar un film.

De acuerdo a su narrador, el Sorprendente Criswell (como él mismo), "Plan 9 from Outer Space" es el recuento de los hechos de aquel fatídico día en que un grupo de extraterrestres llegaron a Hollywood. Todo comienza en un funeral, donde un anciano (Bela Lugosi) llora la pérdida de su esposa (Vampira). Mientras tanto, lo que parecía un vuelo rutinario para los pilotos Jeff (Gregory Walcott) y Danny (David De Mering) se vuelve un encuentro cercano con un platillo volador. El platillo aterriza en el cementerio y al anochecer, los enterradores son atacados por el cadáver reanimado de la joven esposa. Al día siguiente, el anciano fallece en un accidente de tránsito y en su funeral, se descubren los cadáveres de los enterradores asesinados la noche anterior. El Inspector Clay (Tor Johnson) de la policía local comienza una investigación en el cementerio. En ese momento, el piloto Jeff le cuenta a su esposa su experiencia con el platillo y el hecho de que el gobierno le ha pedido que no haga ningún comentario al respecto. Pronto Clay se encuentra con los cadáveres del anciano y su esposa, que ahora forman parte del Plan 9 del Espacio Exterior.

Escrita, dirigida y producida por el mismo Ed Wood, "Plan 9 from Outer Space" es una mezcla bizarra entre el tipo de ciencia ficción que dominaba los años 50s y el cine de horror gótico con el que Wood había crecido. Así, "Plan 9 from Outer Space" es una trama típica de invasión extraterrestre aderezada con cadáveres reanimados y un Bela Lugosi inexplicablemente vestido como Drácula. La narración de Criswell, da un tono sensacionalista a la historia, que es presentada como los "testimonios secretos" de los sobrevivientes en un esfuerzo por imitar el tono de veracidad del popular programa "Dragnet". Sin embargo, este esfuerzo es minado por lo absolutamente bizarro de la trama, sin mencionar los diálogos extraños y absurdos que Wood ha dado a sus personajes. "Plan 9 from Outer Space" emula también la advertencia pacifista de "The Day the Earth Stood Still" (1951), ya que la razón para el ataque extraterrestre es también el detener a la destructiva raza humana, sin embargo, lo más interesante del guión de Wood es el claro mensaje antiestatista del filme: el gobierno oculta más de lo que sabe.

Como se ha mencionado anteriormente, la fama de "Plan 9 from Outer Space" viene principalmente de la incompetencia con que ha sido armada, ya que al director Ed Wood poco le importan cuestiones como la continuidad y la coherencia entre sus tomas. Así, por momentos el cielo puede cambiar de entre día y noche, las actuaciones varían su emoción dramática (si es que la hay), y los efectos especiales son de una calidad ínfima. Sin embargo, es claro que Wood sabe lo que el cine implica, pues es capaz de crear un accidente automovilístico solamente con sonido, o crear secuencias completas mezclando filmación en set, en locación y material de archivo. Wood sabe cómo se hace el cine, simplemente lo hace en extremo descuidadamente. El que este descuido haya sido provocado por bajo presupuesto o un exceso de confianza o una desafortunada combinación de ambas es algo que no podemos saber. Lo que sí se puede apreciar es el interés de Wood por crear una historia épica a pesar de sus limitados recursos, y su determinación a contar su historia a como dé lugar (al grado de sustituir al fallecido Lugosi).

La aparición de Bela Lugosi en "Plan 9 from Outer Space" es otro de los factores que ha contribuido para que la cinta tenga ahora el grado de film de culto. A comienzos de los años 50s, Lugosi se encontraba participando en cintas de serie "B" de bajo presupuesto para mantener su adicción a los analgésicos. Encontrarse con Ed Wood, quien se consideraba gran fan de Lugosi, significó un breve retorno a papeles principales. Bela Lugosi rodó con Wood algunas escenas para una historia que no se realizaría, pero que acabarían formando parte de "Plan 9 from Outer Space" (razón por la que no hay sonido en las escenas de Lugosi). Para completar el papel de Lugosi, Wood reclutó a Tom Mason, quien hace una pobre imitación de Lugosi cubriendo su cara con una capa. Las actuaciones, como todo lo demás en "Plan 9" son descuidadas y torpes, aunque algunos intérpretes, como Gregory Walcott, intentan hacer un esfuerzo por hacer un buen trabajo. Tor Johnson, Vampira, Dudley Manlove y el Sorprendente Criswell completan un elenco por demás extraño e inolvidable, aunque sea por las razones equivocadas.

Esa es tal vez la mejor forma de describir "Plan 9 from Outer Space", una cinta inolvidable por las razones equivocadas. Lo que Wood deseaba fuera emocionante, termina siendo ridículo, y lo que esperaba fuera aterrador, resulta absurdamente divertido. Involuntariamente, Wood ha creado una entretenida cinta de horror que se ha vuelto un divertido ícono del género. La razón de esto es precisamente la ingenuidad e incompetencia en la realización de la cinta, pues de estar mejor realizada, probablemente la película resultara en extremo aburrida. Y esto es algo bastante interesante, pues a pesar de la gran cantidad de problemas que plagan "Plan 9 from Outer Space" la película jamás es aburrida. Y esto es algo de lo que no pueden presumir muchas cintas realizadas con mejores recursos y mayor experiencia. Es difícil decir que "Plan 9 from Outer Space" es una buena película, y curiosamente es aún más difícil decir que es una mala película. Pues aunque probablemente la cinta está lejos de las intenciones de Ed Wood al realizarla, lo que logra es tan ó incluso más valioso.

"Plan 9 from Outer Space" es una cinta con un encanto difícil de explicar, pues sus imágenes generan una extraña fascinación. En la película se conjugan efectos baratos, actuaciones exageradas, un guión absurdo y una edición bizarra, y sin embargo todo funciona de una manera tal que la cinta permanece entretenida de principio a fin. La cinta de Tim Burton, "Ed Wood" (1994), es el ejemplo perfecto de la fascinación que produce "Plan 9 from Outer Space". Y es que en cierta forma, la realización de "Plan 9 from Outer Space" encierra el dolor y la gloria de hacer cine, el reunir los talentos y recursos de un grupo de personas (por muchos o pocos que sean) para dar vida a un sueño, a una visión. La visión de Ed Wood, un hombre cuya alma estaba en el cine aunque sus talentos no, es paradójica en el sentido de que cumple con aquella máxima de que la cinta es tan mala que es buena.

5/10
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1 de diciembre de 2013

Flor de Durazno (1917)

Considerado como la figura más prominente en la historia del tango, el cantante y compositor Carlos Gardel llevó la cultura del tango argentino a todo el mundo, volviéndose uno de los artistas latinoamericanos más conocidos internacionalmente al momento de su trágica muerte. De origen francés, Gardel pasó su infancia en el barrio de Abasto, en la ciudad de Buenos Aires, donde comenzó a desarrollar su estilo cantando en bares y en fiestas privadas. En 1917, Carlos Gardel comenzaría a realizar grabaciones, iniciando la brillante carrera que lo llevaría a recorrer el mundo. Gran parte del atractivo del joven cantante eran su presencia y porte, que no pasaron desapercibidos por la industria cinematográfica, y ese mismo año la naciente estrella del tango se vio debutando en la pantalla de plata. El título de la cinta sería "Flor de Durazno", adaptación de la popular novela del mismo nombre, escrita por Gustavo Adolfo Martínez Zuviría, mejor conocido como Hugo Wast. Y si bien la cinta fue un gran éxito en taquilla, no representa ni el mejor momento de Gardel ni del cine argentino de su época.

"Flor de Durazno" es la historia de Rina (Ilde Pirovano), una joven serrana que vive con su padre Germán (Diego Figueroa) en su pequeña granja. Enamorada de ella se encuentra su primo Fabián (Carlos Gardel), pero la joven ha crecido embelesada por el joven Miguel Benavides (Argentino Gómez), heredero de una rica plantación. Al tiempo los jóvenes crecen, y Fabián logra conquistar el corazón de Rina, quien finalmente acepta casarse con él. Desafortunadamente, la guerra obliga a Fabián a enlistarse al ejército y la pareja pospone la boda hasta que Fabián regrese. Miguel, que se vuelve el dueño de la plantación, aprovecha la situación para acercarse a Rina, tomando ventaja de que su posición económica le permite ganarse la confianza del padre de Rina, quien se ve envuelto en un pleito legal y ve en Miguel a un consejero de fiar. Con las cartas a su favor, Miguel seduce a Rina, quien termina embarazada de la relación. Cuando Miguel se niega a casarse con Rina, ésta decide huir a la capital, donde pasará penurias al encontrarse sola y en la miseria.

Escrita y dirigida por el director Francisco Defilippis Novoa, "Flor de Durazno" sigue con relativa fidelidad la trama de la novela de Hugo Wast, melodrama de corte naturalista en el que se retrataban las injusticias sociales. Este tipo de historias había encontrado ya gran éxito en el cine, como ejemplifica la cinta "Nobleza gaucha" de 1915, que como la película de Defilippis, tomaba como punto de partida un conflicto entre un malicioso ranchero rico y un gaucho noble pero humilde. "Flor de Durazno" sigue al pie de la letra la fórmula, con la humilde campesina Rina sufriendo estoicamente el abuso y la humillación a la que la somete la clase adinerada, siendo su único motor el amor que siente por su pequeña hija. A pesar de su temática de denuncia, la historia es bastante conservadora, pues Rina encuentra su sufrimiento como un a penitencia, su pecado: haberse olvidado del noble Fabián, quien la recuerda en cada uno de sus viajes con el ejército. La sencilla trama de "Flor de Durazno", aboga por la idea de que la modernidad de la gran ciudad es perversa, mientras que en el campo es donde se encuentra la verdadera nobleza.

"Flor de Durazno" se caracteriza por la sencillez con la que el director Francisco Defilippis Novoa aborda la historia, y por el ágil ritmo en que se desarrolla la trama. Sacando provecho de sus locaciones naturales (y del trabajo del fotógrafo Francisco Mayrhoffer), Defilippis Novoa hace un retrato bucólico de la campiña argentina, la cual se presenta como un apacible lugar donde la vida es más tranquila y sencilla. En contraste, la ciudad se presenta como un lugar sucio y caótico, donde la maldad se esconde en cada esquina. A pesar de la profunda simpleza de la puesta en cámara de Defilippis Novoa, hay momentos interesantes en los que la trama se vuelve a Fabián, quien canta para recordar su tierra y a su amada Rina. En estos momentos, que probablemente se acompañaban de alguna grabación en disco de Gardel, Defilippis aprovecha para mostrarse poético y adentrarnos en la subjetividad de las emociones del personaje. En la misma línea, Defilippis ocasionalmente emplea con originalidad recursos como la doble exposición para ilustrar los recuerdos de sus personajes.

Sin duda el principal atractivo de "Flor de Durazno" es apreciar el debut cinematográfico de Carlos Gardel pero, lamentablemente, esta primera aparición del Zorzal Criollo en el cine deja mucho que desear. De entrada, el cine mudo no es tal vez el mejor medio para que un cantante se luzca (se cuenta que el mismo Gardel abandonó el plató decepcionado de su trabajo), además de que su personaje es bastante secundario en relación a la trama, pues la verdadera estrella de la cinta es Ilde Pirovano. Como Rina, Pirovano carga totalmente con el peso de la cinta, y en general hace un trabajo bastante loable pues, la joven actriz se aleja de las convenciones del cine silente y brinda un trabajo más natural. Caso contrario el de Argentino Gómez, que como el perverso Miguel Benavides, se muestra terriblemente sobreactuado, haciendo una caricatura del arquetipo de villano adinerado. Lo mismo se podría decir del resto del elenco, que mantiene el tono acartonado de los orígenes del cine. Quizás la única excepción (además de Ilde Pirovano) es Diego Figueroa, que logra dar dignidad al personaje de Germán Castillo.

A pesar de que las actuaciones no son realmente lo mejor de la cinta, poco les ayuda el que el guión sea tan simple en su desarrollo, pues los personajes son en su mayoría una colección de arquetipos clásicos del género: la ingenua víctima, su estricto padre, el perverso adinerado, el sabio sacerdote y el noble gaucho. Poco se hace por desarrollar estas personalidades de forma dramática, y el director Francisco Defilippis meramente concentra sus esfuerzos en retratar fielmente la atmósfera de la historia y en contar la anécdota lo mejor posible. Esto deja a "Flor de Durazno" como una oportunidad perdida, que aunque pudo haber servido para explorar el tema de las injusticias sociales, se queda en un simple melodrama naturalista donde nuevamente el malvado rico abusa de la nobleza de los pobres. Por supuesto, mucho de esto se puede achacar a la novela de Hugo Wast, que ya de origen carga con estos y otros defectos; pero dado su enorme éxito comercial, probablemente Defilippis optó por no hacer demasiados cambios a una fórmula por demás probada.

Como la novela en la que está basada, "Flor de Durazno" fue un gran éxito de taquilla; sin embargo, como se menciono anteriormente Gardel no quedó muy conforme con el resultado. Carlos Gardel permanecería concentrado en su carrera musical, y no volvería a estar frente a la cámara de cine sino hasta 1930, cuando  el director Eduardo Morera lo invitara a participar en una serie de cortometrajes musicales con sonido óptico, con los que reactivaría su faceta como actor. Naturalmente, el cine silente no era el medio adecuado para aprovechar realmente los talentos de un cantante como Gardel. A pesar de contar con algunos elementos de interés, "Flor de Durazno" no logra elevarse a ser algo más que un sencillo melodrama rural. Una adaptación más libre se realizaría en México en 1945, con la actriz Esther Fernández en el papel de Rina.

5/10
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30 de noviembre de 2013

Yira, yira (1930)

Sin lugar a dudas una de las más grandes figuras del medio artístico en Argentina es el cantante, compositor y actor Carlos Gardel. La figura más prominente en la historia del Tango revolucionó la cultura de su tiempo, y a pesar de haber fallecido trágicamente en la cumbre de su carrera (víctima de un accidente aéreo), su nombre continúa siendo referente inconfundible de la cultura y música de la Argentina. Nacido en 1890, Gardel llegó a Buenos Aires siendo todavía un niño, y creció el barrio de Abasto.Como muchos cantantes de su época, Gardel comenzó su carrera cantando en bares, pero su talento como cantante y elegante porte pronto lo llevarían a los estudios a realizar grabaciones. Esto sucedió en 1917, mismo año en que el cine descubriría a Gardel, brindándole una participación importante en el melodrama "Flor de Durazno". Naturalmente, la carrera de Gardel en el cine no hizo gran progreso en la etapa muda, así que el Zorzal Criollo enfocó su camino a cantar. Sin embargo, para 1930 el sonido en el cine era ya una realidad, y el gran Carlos Gardel se encontraría nuevamente frente a las cámaras del cine.

Este reencuentro se daría a través de una serie de cortometrajes musicales realizados por el pionero del cine sonoro Eduardo Morera. "Yira, yira" sería uno de estos cortometrajes musicales, siguiendo un patrón que comenzaba Gardel haciendo una breve introducción al tema musical, para proseguir con la interpretación de la pieza por el mismo Gardel. En el caso de "Yira, yira", en la introducción participa no sólo Gardel, sino también su compositor, el legendario Enrique Santos Discépolo (entonces un joven de 29 años), a quien Gardel le pregunta el significado de la canción. Enrique explica que la canción se trata de la desesperanza y la soledad, a lo que Gardel responde sorprendido que eso es lo que el había pensado al descubrir la canción, aunque con la esperanza de que el protagonista de la canción sea un buen hombre a pesar de todo. Esto le parece divertido a Enrique Santos Discépolo, y ambas leyendas del tango ríen con camaradería. La escena corta a la interpretación de "Yira, yira" por Gardel, acompañado por un grupo musical.

Como en la todos los cortometrajes musicales de Morera, la pieza central del filme es por supuesto escuchar a Gardel cantar, sin embargo, en las introducciones a las canciones se puede apreciar la magnética personalidad del famoso cantante. En "Yira, yira", la introducción es doblemente interesante pues muestra a Enrique Santos Discépolo, compositor de este popular tango. Y a pesar de que el que los diálogos hayan sido escritos o improvisados no se puede saber a ciencia cierta, hay dos cosas que quedan claras: el respeto entre los dos artistas, y el gran talento natural que muestra Gardel frente a las cámaras. Es claro que tanto Morera como Gardel entendieron muy bien las posibilidades del cine sonoro como medio de acercarse al público, y es por esto que la imagen del cantante es cuidadosamente detallada en la introducción. Gardel se muestra como un humilde cantante, respetuoso de su compositor y dueño de una chispa e ingenuidad casi infantil. El hecho de que Santos Disépolo haga una pequeña broma a Gardel es parte de esto: Gardel es el dueño del reflector, pero no le importa compartirlo con sus amigos, con su gente.

Ahora bien, la interpretación que hace Gardel de "Yira, yira" es una de sus mejores, logrando capturar esa sensación de soledad y melancolía de la que habla Enrique Santos Discépolo en la introducción. El toque de ironía que la canción tiene no se pierde, aunque tal vez queda un poco disminuido por la fuerte, aunque melancólica esperanza que incluye la interpretación de Gardel, que le agrega un dejo de optimismo a la canción. El cantar tangos (especialmente en la época de Gardel) requiere un cierto énfasis dramático en la voz, no sólo por las típicas temáticas de amor perdido y tristeza, sino por la cadencia del ritmo. En este aspecto, Gardel hace un gran trabajo, y "Yira, yira" prueba que Morera no estaba errado cuando decidió que a pesar de la fallida experiencia de "Flor de Durazno", Carlos Gardel era un buen material para convertirse en ícono del cine. En la introducción, Carlos Gardel se pregunta con esperanza si el melancólico protagonista de "Yira, yira" es en el fondo un buen hombre. Cuando el Zorzal Criollo la canta, queda claro que en verdad lo es.

Como es de esperarse de aquellos tempranos experimento sonoro, la puesta en cámara de Morera es totalmente básica, con el fotógrafo Antonio Merayo encuadrando ambas escenas (introducción e interpretación) de manera simple pero efectiva, después de todo, lo que importa es el sonido. Merayo hace una composición más interesante cuando Gardel canta, aunque esto bien podría ser una decisión del director más que un defecto del lado de Merayo (haciendo a la introducción más "documental"). "Yira, yira", junto con otros nueve cortometrajes musicales de Morera se compilarían en 1931 para formar un largometraje musical titulado "Diez canciones de Gardel" ó "Encuadre de canciones"; sin embargo, los cortometrajes de Morera funcionan mejor en solitario, como fueron concebidos. En este aspecto, los cortometrajes de Gardel y Morera pueden verse como precursores de los vídeos musicales modernos. Dada la calidad de la interpretación de Gardel y el hecho de que Morera logro su cometido (probar que Gardel podría llegar a ser una estrella del cine), se puede decir que estos pequeños experimentos sonoros cumplieron su cometido.

10/10 
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26 de noviembre de 2013

Joey (1985)

El director alemán Roland Emmerich se ha hecho de una reputación como director de blockbusters Hollywoodenses tras filmes como "Independence Day" y "The Day After Tomorrow", filmes de ciencia ficción de gran presupuesto donde muestra su gusto por los efectos visuales, estilo que le ha ganado su buena cantidad de detractores. Aunque ciertamente Emmerich no es un cineasta que se pueda llamar original o trascendente artística hablando, curiosamente sus películas sí demuestran un estilo muy particular, estilo que se ha desarrollado desde sus primeros filmes y que debe mucho a los dos maestros de cine fantástico que se vuelven como "guías espirituales" en el cine de Emmerich: George Lucas y Steven Spielberg. La influencia del primero es más que clara en el debut de Emmerich, la aventura de ciencia ficción "Das Arche Noah Prinzip"; mientras que es en el segundo filme de Emmerich donde su devoción a Spielberg se hace más que evidente, pues es una cinta donde incluye tópicos fundamentales de la obra del norteamericano como la infancia, la fantasía y la relación entre padres e hijos. Su título, "Joey".

Conocida en español como "El Secreto de Joey" (y en Estados Unidos como "Making Contact", en una versión 20 minutos editados), "Joey" es la historia del personaje del título, un niño de 9 años llamado Joey (Joshua Morrell), quien tras la trágica muerte de su padre, comiera a experimentar extraños poderes psíquicos. Estos poderes le permiten mover objetos inanimados y encender fuego a voluntad. Joey incluso aparentemente logra hacer contacto con su padre fallecido. Naturalmente, la cordura de Joey es cuestionada por sus semejantes, pero el chico no da importancia a los rumores. Sin embargo, no todo es felicidad para Joey, pues sus recientemente adquiridos poderes accidentalmente despiertan a una fuerza sobrenatural que había permanecido escondida dentro de un viejo muñeco de ventrílocuo que Joey encuentra en una casa abandonada. Fletcher (Jack Angel), el muñeco poseído, asegura ser el fantasma del ventrílocuo, y demuestra tener poderes muy similares a los de Joey. Fletcher pondrá en peligro las vidas de los amigos de Joey pues el diabólico muñeco tiene sus propios planes para los poderes del niño.

Escrita por el mismo Emmerich y los guionistas Hans J. Haller y Thomas Lechner, "Joey" tiene muchos de los elementos clásicos de filmes de horror sobrenatural del tipo de "Poltergeist" (una producción de Spielberg estrenada tres años antes que "Joey"), pero realizados con el enfoque primordial de una cinta de fantasía familiar al más puro estilo de "E.T.", del mismo Spielberg. Aunque francamente esto pudiera hacer sonar a "Joey" como una colección de referencias, la premisa tiene su grado de originalidad y de hecho esto resulta en escenas bastante interesantes. Tristemente, la trama pronto toma un rumbo excesivamente convencional y se apoya demasiado en clichés del género para funcionar. Sin embargo, lo interesante es que la historia se enfoca totalmente en el punto de vista de Joey, haciéndola más una sombría historia de aventuras que una cinta de horror tradicional, pues la trama se enfoca en la lucha entre Joey y la fuerza que ha tomado posesión del muñeco Fletcher. Esto no quiere decir que no haya momentos de terror, pero el énfasis de "Joey" es en la fantasía.

Aunque realizada con relativamente poco presupuesto, el director Roland Emmerich hace una cinta bastante atractiva visualmente, ya mostrando su gusto por emplear grandes efectos especiales. Es bastante interesante lo que logra Emmerich con recursos tan mínimos, y se podría asegurar que ya desde este punto tan temprano en su carrera, el director tenía una clara idea del tipo de cine que deseaba realizar en el futuro (guiños visuales a las obras de Spielberg y Lucas abundan en toda la película). El fotógrafo Egon Werdin logra dar al filme una buena atmósfera, particularmente cuando la trama se mueve dentro del territorio del género de horror y se acerca al tono de la ya mencionada "Poltergeist" (una similitud nada accidental, dado que la cinta es básicamente un tributo a Spielberg). Desafortunadamente, "Joey" no sólo muestra las virtudes que llevarían a Emmerich a Hollywood, también muestra los problemas que su cine suele enfrentar: mientras que las escenas de efectos especiales son impecables, las escenas sin ellos muestran sus carencias como realizador.

Esto resulta en que las actuaciones en "Joey" sean bastante mediocres, y este es tal vez el punto más flojo de la película. La poca experiencia del elenco, especialmente en el caso de los niños, se vuelve cada vez más evidente a medida que el filme avanza, y nada ayuda que el director tampoco contaba con gran experiencia en ese momento (cabe destacar que, de cualquier forma, la dirección de actores nunca ha sido el fuerte de Emmerich). No es sorpresa que la única actriz con experiencia real, Eva Kryll, quien interpreta el papel de la madre de Joey, sea quien realice el mejor papel en la película. Desafortunadamente, su personaje no tiene tanto peso en la trama y esto no le permite gran oportunidad de mostrar su talento. Joshua Morrell, quien tiene el papel principal, hace un gran esfuerzo y luce cómodo frente a la cámara, aunque su actuación es bastante plana. Es en el resto del elenco donde los problemas se vuelven más evidentes, pues muchos de los actores de reparto, dada su inexperiencia, lucen poco naturales, como si estuvieran leyendo sus líneas.

Un elenco poco experimentado aunado a un joven director poco experimentado es en muchas ocasiones, una combinación peligrosa y en el caso de "Joey", se vuelve un problema. Las actuaciones son bastante pobres y con la poco inspirada dirección de Emmerich (quien parece perdido sin los efectos especiales) resulta en una narrativa un tanto simple. De hecho, la película se vuelve un tanto lenta y aburrida en las escenas más íntimas o dramáticas, pues Emmerich no les logra dar la emoción necesaria, y por ende no hay un buen balance entre las escenas netamente de acción y aquellas basadas en diálogos y personajes. El guión también tiene sus problemas, pues hay momentos en los que aparecen hoyos en la trama y pareciera que los guionistas no lograron darle cohesión a la gran cantidad de ideas que deseaban meter a la trama (pues hay elementos que aparecen y luego simplemente se abandonan). A pesar de los defectos,el director Roland Emmerich logra obtener algunos momentos entretenidos de esta problemática mezcla de ingredientes que hacen de "Joey" un filme atípico dentro de su tipo.

Lo que parece claro es que en "Joey", Emmerich no parecía tener bien definido si la cinta debía ser una fantasía para niños o una película de horror, pues la película tiene momentos que apuntan a ambos lados. En general, "Joey" es una película interesante más como curiosidad que por la calidad de su manufactura, ya que muestra el talento emergente de un cineasta con gran dominio de los efectos especiales, y con una clara idea de hacia que público deseaba llegar. Es más que obvio que ya desde "Joey" Emmerich tenía los ojos puestos en realizar blockbusters de verano. Sin más pretensión que ser una película familiar entretenida, "Joey" logra su cometido a pesar de los problemas, a la vez que se vuelve una suerte de tributo al cine de George Lucas y Steven Spielberg.

6/10
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24 de noviembre de 2013

The Vampire Lovers (1970)

Se podría argumentar que los 70s fueron tiempos difíciles para la legendaria Hammer Film Productions, pues tras haber tenido mucho éxito en los 60s con sus cintas de horror gótico, su fórmula clásica comenzaba a gastarse y aunado a esto, los tiempos cambiaban y enfrentaban nueva competencia de filmes más atrevidos, agresivos y contemporáneos. "The Vampire Lovers" surgió como un intento de calentar un poco las cosas al agregar una mayor dosis de erotismo a los horrores góticos que habían hecho famosa a Hammer. Ya desde el estreno de "Dracula" (1958), la casa Hammer había jugado sutilmente con el erotismo en sus producciones, pero "The Vampire Lovers" iría un paso más allá. El experimentado Roy Ward Baker (famoso por "A Night to Remember") fue puesto a cargo de la cinta, pero sería la introducción de una de las actrices irónicas del estudio, la bellísima Ingrid Pitt, lo que haría de la cinta un clásico de culto. Esta libre adaptación de la novela gótica de Sheridan Le Fanu, "Carmilla", es con todo derecho, una de las mejores cintas de la casa Hammer.

En la remota región austriaca de Styria, en el siglo 19, una serie de muertes entre los habitantes de la villa trae a la memoria los viejos rumores de vampirismo, especialmente cuando Laura (Pippa Steel), sobrina del General Von Spielsdorf (Peter Cushing), cae enferma de la misma plaga. Marcilla (Ingrid Pitt), hija de una Condesa, se encuentra viviendo en casa del General como huésped, luego de que el General aceptara darle asilo mientras su madre se encuentra fuera del país. Laura rápidamente se vuelve amiga de Marcilla, quien hace todo lo posible para confortar a la joven enferma. Tristemente, todo es en vano y la bella chica muere sin remedio. La misteriosa Marcilla, desaparece de la casa del General sin dejar huella. Semanas después, la enfermedad vuelve a la región, esta vez afectando a Emma Morton (Madeline Smith), hija de un escéptico noble británico (George Cole) Sin embargo, Emma tiene una amiga que la cuida, una joven de nombre Camrilla que tiene un misterioso parecido con la desaparecida Marcilla. Y con ella, la muerte llega a la casa Morton.

Aunque los guionistas Harry Fine, Tudor Gates y Michael Style se toman sus libertades con la trama de "Carmilla", "The Vampire Lovers" es realmente una de las adaptaciones más fieles a la novela de Le Fanu, en el sentido de que se mantiene fiel al espíritu de la novela y su balance entre horror gótico puro y elegante erotismo. La trama está muy bien desarrollada y hay un interesante intento en construir una nueva mitología vampírica separada de los filmes de Drácula de Hammer. Otro detalle es la manera en que se juega con el suspenso, pues con todo y que la historia es contada desde el punto de vista de la antagonista, la tensión (sexual y no-sexual) se encuentra siempre arriaba. Mantener un equilibrio entre el horror y el erotismo es difícil, pero "The Vampire Lovers" logra hacer un excelente retrato de estos dos aspectos tan importantes en el mito del vampiro. Carmilla es una tentación depredadora, una fuerza de la naturaleza que, fiel a la iconografía del vampiro, representa el caos y lo salvaje. Lo interesante es como resulta ser más encantadora y atractiva que los representantes de lo civilizado.

El experimentado director Roy Ward Baker (que ya había realizado para Hammer "Quatermass and the Pit" en 1967) trajo a la Hammer Film Productions su extraordinaria habilidad para hacer maravillas con recursos limitados, lo que le venía como anillo al dedo a los filmes de bajo presupuesto que la Hammer realizaba. Lo que le da Roy Ward Baker al filme es clase, es decir, una cierta sutileza y elegancia en su uso de la cámara que funciona brillantemente con el erotismo inherente en la historia. Aunque este enfoque sutil pudiera parecer recatado, realmente aumenta el erotismo de varias escenas, donde lo que se esconde es a veces más tentador que lo se muestra (y vaya que se muestra mucho). A pesar del bajo presupuesto, la película luce bastante bien, pues Roy Ward Baker hace un gran uso de sus recursos permitiéndose crear escenas de pesadilla a pesar del presupuesto. Una figura clave para esto es el fotógrafo Moray Grant, quien emplea sus talentos para lograr darle a la película una atmósfera espeluznante de fantasía oscura que la hace una de cintas con mejor fotografía en la historia de Hammer.

Claramente, "The Vampire Lovers" es básicamente un vehículo para el lucimiento de la bella Ingrid Pitt, y la actriz realmente saca el mayor provecho de esta oportunidad. Como el personaje principal, Carmilla, Pitt es simplemente avasalladora, y no sólo por su imponente belleza física. Pitt logra crear un personaje que es a la vez seductivo y terrible, encantador y destructivo, en síntesis, la escénica pura de una historia de horror. Con su poderosa presencia escénica, Pitt encabeza el film con soltura y crea un ícono en el proceso. Y esta fuerte personalidad hace un buen contraste con la inocencia representada por la actriz Madeline Smith como Emma Morton. Smith hace un buen trabajo en el papel, aunque el personaje está un poco desdibujado y termina como una damisela en peligro (la estrella es Carmilla por supuesto). Kate O'Mara hace uno de los mejores trabajos en el filme como Mme. Perrodot, una institutriz encantada por el poder de Carmilla. George Cole, Douglas Wilmer y el legendario Peter Cushing completan el elenco y dan excelente soporte con su experiencia y talento.

Sería muy fácil despreciar a "The Vampire Lovers" como una película erótica más acerca de lesbianas vampiro, especialmente ahora que el tema del lesbianismo vampiro ha sido tan gastado; pero realmente la película es más que eso. Para empezar, es una cinta de horror enfocada en sus personajes, con Carmilla al centro de todo, jugando con los demás como piezas de ajedrez. La atmósfera juega un papel aún más importante en "The Vampire Lovers" que lo usual en filmes de Hammer, pues Roy Ward Baker apunta a obtener un aura de romanticismo para su película. Ciertamente, el bajo presupuesto se nota en ocasiones y la película carece del dinamismo y energía de las dirigidas por Terence Fisher pero, esta visión al cine de vampiros no fue sólo un experimento de su época, era el siguiente paso en el camino al que Hammer había estado llevando al vampiro desde "Dracula" (1958): el vampiro no es sólo un monstruo, es un monstruo atractivo. La versión de "Carmilla" realizada por Roy Ward Baker establecería un nuevo "subgénero" en el horror, siendo influencia para los múltiples filmes eróticos de vampiros que le siguieron.

Los 70s probarían ser un tiempo difícil para la Hammer Film Productions, pues para mantenerse en boga la compañía comenzaría a producir todo tipo de variaciones a su fórmula de cine de horror. Algunos estarían ubicados en tiempos modernos, mientras que otros serían bizarras combinaciones de géneros ("The Legend of the 7 Golden Vampires", que mezcla el horror y las artes marciales, ejemplifica esto a la perfección). Sin embargo, "The Vampire Lovers" es una de las gemas olvidadas de aquel periodo experimental en la historia de Hammer. El experimento funcionaría, y dos películas más se harían con este modelo, formando lo que ahora se conoce como la "Trilogía Karnstein" (con "Lust for a Vampire" y "Twins of Evil"). A pesar de sus problemas, "The Vampire Lovers" puede considerarse como uno de lo mejores filmes de Hammer, no sólo de los 70s, sino de toda su historia.

8/10
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23 de noviembre de 2013

9½ Ninjas! (1991)


En 1986 se estrenó un drama erótico dirigido por el británico Adrian Lyne con el título de "9½ Weeks" que, a pesar de las críticas mixtas, se volvió rápidamente en un tremendo referente cultural de la década, gracias no sólo a las actuaciones de sus estelares, Mickey Rourke y Kim Basinger, sino al estilizado estilo de Adrian Lyne, que resultó en escenas eróticas que se han vuelto irónicas. Y por supuesto, con el estatus de ícono de la cultura pop no sólo vienen tributos y homenajes, sino también parodias, y en este aspect, "9½ Weeks" ha sido bastante prolífica, pues muchas de las escenas concebidas por Lyne se han vuelto fuente de parodia y burla en infinidad de cintas y series de TV: la escena del hielo, la de la comida y por supuesto, el legendario strip-tease de Basinger con "You Can Leave Your Hat On" de fondo. Ciertamente, algunas parodias son más inteligentes que otras, y hay algunas que incluso son bastante estúpidas. Desafortunadamente, la película "9½ Ninjas!" de Aaron Barsky, estrenada en 1991, pertenece a esta última categoría. Y con razón.

"9½ Ninjas!" comienza con el joven Joe Vogue (Keaton Simons) recibiendo extrañas lecciones ninja de su maestro (Gerald Okamura). El pequeño Joe no luce como un ninja muy prometedor, pero la paciencia y perseverancia de su maestro dan resultados: años después el adulto Joe Vogue (Michael Phenicie) no solamente es un exitoso empresario, sino también un experto guerrero ninja. Sus letales habilidades se vuelven útiles cuando las emplea en rescatar a la bella Lisa Thorne (Andee Gray) de una pandilla que la molestaban en un restaurante donde casualmente Joe se encontraba comiendo. Gratamente sorprendida por Joe, Lisa le comenta que la pandilla trabaja para Arnold Gruber (Robert Fieldsteel), un rico terrateniente que acaba de comprar el edificio donde ella vive y busca desahuciar a todos los inquilinos. A Joe no parece importarle mucho hasta que se da cuenta que Gruber ha comprado también su edificio y están desalojando también. Ahora que se ha vuelto personal, Joe decide entrenar a Lisa para detener juntos a Gruber, cosa que Lisa aprovechará para enseñarle a Joe otro tipo de habilidades.

Escrita por Bill Crounse, John Morrisey y Don Pequignot, "9½ Ninjas!" intenta parodiar tanto a "9½ Weeks" como a las cintas de acción con ninjas que tuvieron gran popularidad durante los 80s (popularidad reflejada en títulos como "American Ninja" y los filmes "Ninja" de Golan y Globus). Desafortunadamente, la película falla en ambas tareas. Mucho del humor está basado en los inútiles intentos de Joe por entrenar a Lisa, quien está más interesada en llevarlo a la cama que en convertirse en ninja. Mientras todos en la película están encantados por Lisa y su propensión a las ropas reveladoras, Joe permanece desinteresado gracias a su concentración ninja. De hecho, esta y otras de las rarezas de Joe comienzan a salir a la luz, como su extraña relación con su madre (también ninja) y su dependencia en un muñeco guiñol llamado Mr. Ninja (voz de Paul Jabara). Las bromas del film son demasiado simplistas, basadas en las absurdas situaciones en las que se meten los personajes. Y para un filme que asegura ser una comedia erótica de acción y artes marciales, el humor es extrañamente muy inocente.

Aunque hay algunas fuentes que citan al productor John Morrisey como el director bajo el nombre de Aaron Worth, la mayoría apunta a Aaron Barsky como el cineasta detrás del pseudónimo. De lo que no hay duda es el hecho de que quien sea que haya sido responsable de "9½ Ninjas!" realizó un pobre trabajo en la concepción del proyecto. Ciertamente el guión con el que se trabajó no da mucho pié a alguna mejora substancial, pero la simplista dirección pareciera haberse limitado a solamente encuadrar la cámara, dar palabras de apoyo al elenco y filmar. Todo realizado en el peor estilo de la televisión de la década de los 80s. De hecho, aunque la cinta fue estrenada en 1991, no sería sorprendente descubrir que la película haya sido filmada años atrás, pues realmente se siente vieja. De cualquier forma, como apunte positivo, el fotógrafo español Fernando Argüelles (quien posteriormente trabajaría en la exitosa serie "Prison Break") hace un trabajo más que aceptable, tal vez mejor de lo que "9½ Ninjas!" merece, logrando imitar bastante bien el look de "9½ Weeks" en las únicas dos escenas en que se intenta parodiar decentemente.

Como se mencionó anteriormente, el guión con el que contaba el elenco de "9½ Ninjas!" no era en sí muy bueno, aunque algunos de los actores logran sacar algo de dignidad de su trabajo. Magda Harout, quien interpreta a la madre de Joe, Gladys, es tal vez la mejor del elenco, pues logra sacar momentos de chispa de su pobremente desarrollado personaje, y es tal vez la única actriz en el elenco que entendió el tono paródico que el film debió tener. En su limitado caneo, Gerald Okamura muestra mucho más compromiso que muchos de los actores principales del film, y junto a Harout, son los únicos genuinamente divertidos en sus papeles. Los protagonistas, Michael Phenicie y Andee Gray son realmente terribles en sus personajes. Aunque Phenicie es bien parecido, carece del carisma y la energía para llevar el peso del film sobre sus hombros. Y aunque Andee Gray es una belleza, eso es lo único que logra aportar al personaje. el actor de carácter Robert Fieldsteel interpreta a Arnold Gruber, desperdiciando su talento en el papel más ridículo de la película. Como curiosidad, Don Stark de "That 70's Show" aparece como el sirviente Sledge.

Sin embargo, más allá de su pobre y simplista hechura, sus bajos valores de producción y su poco talentoso elenco, el verdadero problema de "9½ Ninjas!" se origina en otro lado: en su terrible guión. El legendario director japonés Akira Kurosawa alguna vez dijo que ni el mejor director podría hacer un buen filme de un mal guión, y "9½ Ninjas!" es prueba de ello. Las parodias son oportunidades de burlarse, de criticar o satirizar su tema, pero en el caso de "9½ Ninjas!" esto parece olvidarse y los guionistas simplemente metieron situaciones estúpidas o absurdas en un intento de lograr una farsee. Cualquier intento real de parodiar las películas de ninjas ó a "9½ Weeks" se pierde en escenas sin sentido que parecieran salidas de un muy mal (y muy viejo) programa de TV. Ciertamente, el estatus de "9½ Weeks" como ícono de su generación se presta muy bien a parodia, pero aunque "9½ Ninjas!" podía haber tenido un enfoque mucho más arriesgado al parodiar el estilizado erotismo de "9½ Weeks", prefiere un humor burdo y juvenil que tal vez sonaba bien en papel, pero cuya ejecución es dolorosamente mala.

"9½ Weeks", con sus personajes exageradamente sexualizados, su fotografía estilizada en extremo, su música inconfundible, y en general su look ya muy pasado de moda es un excelente material para parodiar. Es totalmente un producto de su tiempo, y como tal, adecuado para ser satirizado despiadadamente. Desafortunadamente, "9½ Ninjas!" falla al intentar esto, y de hecho, para pretender ser una comedia erótica de acción y artes marciales, no es ni erótica, ni emocionante ni divertida. Alguna que otra broma tal vez funcione, pero como película, "9½ Ninjas!" es una desafortunada falla para todos los involucrados. Mejores parodias se han realizado tanto de los films de artes marciales como de ese clásico ochenteno llamado "9½ Weeks".

3/10
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22 de noviembre de 2013

Asylum (1972)


Cuando se habla de cine de terror británico, el referente obligado es por supuesto las películas de horror gótico producidas por la Hammer Film Productions durante los años 60s y 70s. Sin embargo, no todo el horror inglés provino de la famosa casa de Drácula y el Barón Frankenstein. Inspirados por el éxito de Hammer en el género de horror, la compañía productora Amicus comenzó a realizar filmes de género en un estilo similar (a colores, e incluso con los mismos elencos), aunque con varias diferencias notorias: mientras que la Hammer se especializaba en producir filmes góticos y de época, Amicus optó por ubicar sus cintas en la época contemporánea y hacerlas antologías (ó filmes "portmanteau"), es decir, compilaciones de cuatro ó cinco historias cortas de terror. "Asylum", estrenada en 1972 y dirigida por el experimentado realizador Roy Ward Baker (quien ya había pasado por Hammer, dirigiendo entre otras, "The Vampire Lovers" de 1970), es un ejemplo perfecto del tipo de películas de horror que Amicus produciría durante la década de los 70s.

"Asylum" (literalmente, "Manicomio"), toma su título por el hecho de que la historia principal trata de un médico, el Dr. Martin (Robert Powell), quien llega a un manicomio para una entrevista de trabajo. Su entrevistador, el Dr. Lionel Rutherford (Patrick Magee) decide ponerlo a prueba: uno de los pacientes es el Dr. Starr, el antiguo director del manicomio, quien ha perdido la razón tras sufrir un terrible colapso nervioso. El Dr. Martin deberá entrevistar a los pacientes del manicomio e identificar cual de ellos es en realidad el Dr. Starr. Si logra reconocerlo, Martin podrá aspirar al puesto. Así, el Dr. Martin se adentra a las instalaciones, entrevistando a cada paciente en su respectiva celda, donde escuchará sus historias. La paciente Bonnie (Barbara Parkins) contará una historia de ambición y brujería, mientras que el sastre Bruno (Barry Morse) revelará su aterradora experiencia con una tela muy especial. Barbara (Charlotte Rampling) detallará su entrañable amistad con Lucy (Britt Ekland), mientras que Byron (Herbert Lom) hablará de un espeluznante experimento sobre la transferencia de almas.

El escritor Robert Bloch (autor de la novela "Psycho", llevada al cine en 1960) escribe el guión de "Asylum", tomando como base cuatro de sus historias cortas, a las que agrega el tema del manicomio como marco central de la película. Aunque el uso de una historia que encierre los demás cuentos es algo bastante común en las antologías producidas por Amicus, el que Bloch emplee el tema del manicomio brinda a "Asylum" una identidad propia bastante particular, pues permite que las historias se muevan entre lo realista y lo fantástico con gran libertad, después de todo, son los cuentos de un grupo de pacientes. Dos grandes temas principales aparecen en las historias de Bloch: la animación de objetos inanimados y la suplantación de la personalidad. Este último finalmente resuena en la historia central pues finalmente, Martin debe encontrar quien de los pacientes es el Dr. Starr. Sin embargo, este tópico queda un poco forzado cuando nos damos cuenta que al menos dos de los pacientes entrevistados son demasiado jóvenes como para ser tomados seriamente como candidatos a ser el Dr. Starr.

Para 1972, el director Roy Ward Baker era ya considerado uno de los realizadores más experimentados del Reino Unido, habiendo dirigido clásicos como "Morning Departure" (1950) y "A Night to Remember" (1958). Aunque al trabajar en Amicus Productions se enfrentara a bajos presupuestos, Baker tenía ya el talento y la experiencia para hacer más con menos, y en "Asylum" vemos el ejemplo perfecto de esto. Si algo tienen las antologías, por su misma naturaleza, es la tendencia a ser dispares en cuanto a la calidad de las historias que las forman, y tristemente, "Asylum" no es la excepción. Sin embargo, el director Roy Ward Baker logra atenuar un poco esto manteniendo un grado igual de calidad y coherencia estilística a lo largo de las historias. A pesar de los tonos diversos en que se mueven, el estilo visual que maneja el director Roy Ward Baker mantiene a lo largo del filme una cierta atmósfera de intranquilidad, de sombría anormalidad que beneficia mucho a la película. Aunque el guión no sea el punto fuerte de "Asylum", la realización de la cinta es realmente impecable.

Como en la gran mayoría de las películas de Amicus, el elenco lo forman una mezcla de leyendas consagradas del género (Cushing y Lom), y jóvenes en busca de oportunidades para destacar (Ekland y Rampling). El resultado, como en cada antología de filmes, varía en cada historia, aunque en general el trabajo actoral en "Asylum" es de buena calidad. Por una parte, existen interpretaciones bastante sobrecogedoras, como las de Morse y Cushing en la historia del sastre, en la que ambos actores logran capturar perfectamente el tono ligeramente exagerado que la trama de fantasía sobrenatural demandaba. Por otro lado, Britt Ekland y Charlotte Rampling no son tan afortunadas en su historia, que se mueve más dentro de los terrenos del terror psicológico. Aunque la historia donde participan, "Lucy Comes to Stay", es tal vez la más floja de las cuatro, una mejor interpretación por parte de las protagonistas hubiera significado una mejoría significativa. Patrick Magee, quien interpreta al Dr. Lionel Rutherford en la historia principal, realiza un trabajo notable como el autoritario y controlador médico.

A pesar de algunas actuaciones más bien mediocres, "Asylum" no tiene su punto débil en el elenco, que en general hace un trabajo muy efectivo. Más bien, las debilidades se encuentran en el guión de Bloch. Como se mencionó anteriormente, es normal en las antologías que algunas historias no funcionen tan bien como otras, y desafortunadamente ese es el caso de "Asylum", pues mientras que "The Weird Tailor", "Frozen Fear" y la historia principal logran ser sumamente interesantes, "Mannikins of Horror" y particularmente "Lucy Comes to Stay", no alcanzan el mismo nivel. El caso de "Lucy Comes to Stay" es especialmente interesante pues su trama es una suerte de variación de "Psycho" (por lo que no es terreno extraño para Bloch) en un ambiente juvenil que no acaba de funcionar por la solemnidad con la que se desarrolla la historia, volviéndola un tanto lenta y algo aburrida en comparación con el resto de las historias. Caso contrario el de "Mannikins of Horror", cuya interesante premisa tal vez se hubiera beneficiado de un tono fantástico mucho más sombrío.

Aunque de un presupuesto menor que las cintas góticas de Hammer Films, las antologías de Amicus Productions podían llegar a ser tan o más interesantes que las producciones de su rival, y "Asylum" es tal vez la mejor prueba de ello. Aunque tal vez no represente el mejor trabajo de Robert Bloch, la película se beneficia enormemente de la maestría con la que Roy Ward Baker desarrolla la historia, así como del efectivo trabajo del fotógrafo Denys N. Coop, que logran devolverle a la moderna Inglaterra contemporánea esa atmósfera sombría y misteriosa de las clásicas historias de horror gótico de la época Victoriana. Una mezcla perfecta de lo antiguo y lo moderno. A pesar de ser menos conocidas que las cintas de la Hammer Films, bien vale la pena conocer la obra de Amicus Productions y "Asylum" es una gran forma de hacerlo.

7/10
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